Quelque peu oubliée en France, l’américaine Mary Cassatt fut l’une des figures de proue de l’impressionnisme aux côtés de Monet, de Renoir et d’Edgar Degas.
Alors que sa renommée était immense de son vivant et que son oeuvre est toujours très populaire aux États-Unis, Mary Cassatt (1844–1926) est aujourd’hui quelque peu oubliée en France, éclipsée par ses contemporains Claude Monet, Auguste Renoir ou encore Edgar Degas, son grand ami. Elle fut pourtant, elle aussi, l’une des figures de proue de l’impressionnisme et la seule artiste américaine à exposer avec ce groupe d’avant-garde.
Cette jeune fille née dans une famille bourgeoise et éduquée selon les principes moraux rigides de l’époque victorienne annonce un jour à ses parents qu’elle veut quitter son pays pour aller étudier la peinture en Europe. Les voyages familiaux en Europe l’avaient éduquée à l’art, en la conduisant à fréquenter les nombreux musées d’un continent disposant d’un vaste héritage. Ce désir de partir constituait un défi aux bonnes mœurs de l’époque, surtout dans un tel milieu, et Monsieur Cassatt refusa fermement de laisser sa fille partir en affirmant : « J’aimerais presque mieux te voir morte. » En 1866, elle parvient cependant à ses fins et s’embarque pour l’Europe, accompagnée de sa mère.
Sa première peinture, La Mandoline, est acceptée au Salon Officiel. Elle est signée Stevenson, son deuxième prénom.
Influencée par Le Corrège, Vélasquez, Goya, Murillo et Rubens dans ses premières années, elle s’en libèrera très vite. Trois années plus tard, elle était invitée par Degas à participer aux expositions des impressionnistes et Mary Cassatt, put dire : « Je pouvais enfin travailler avec une indépendance absolue, sans m’occuper de l’opinion d’un jury. »
On a beaucoup évoqué son féminisme. Si effectivement elle s’est engagée dans un vaste combat pour l’égalité des droits, en ce qui concerne son œuvre, elle n’a de cesse de trouver un style ne se réduisant pas à un manifeste féministe. Mêlant les techniques et les expériences, elle fera dire à Achille Segard, son seul biographe de son vivant, qu’elle se différencie des autres artistes de l’époque « par la qualité intellectuelle de ses émotions. » Très vite, elle expérimente diverses techniques, privilégiant la recherche formelle plutôt que le sujet.
Emancipation de la femme bourgeoise
Mary Cassatt peint des femmes, des mères à l’enfant qu’on a pu analyser comme une modernisation du thème religieux de la mère à l’enfant. Vers la fin des années 1890, Cassatt approfondit son travail sur ce motif que Georges Lecompte appelle, dans L’Art impressionniste, la « Sainte Famille moderne », en employant des procédés rappelant la peinture des maîtres anciens. Cette lecture n’est pas celle du Commissaire de l’exposition, Nancy Mowll Mathews. Elle rappelle que Mary Cassat peint des scènes de proximité maternelle mais aussi paternelle. Ainsi peint-elle en 1884-1885 Alexander J.Cassat et son fils, Robert Kelso Cassat. Directeur de l’une des plus importantes compagnies de chemins de fer américaines, amateur de chevaux, le frère de Mary (Alexander J. Cassatt) représente la haute bourgeoisie de Nouvelle-Angleterre.
A y regarder de près, le style fluide, les couleurs claires, les nombreuses courbes des figures féminines témoignent d’un véritable contraste avec la position du couple père-fils. L’enfant se tient droit, dans un costume sombre qui se confond avec celui de son père, l’héritier de la dynastie en même temps que d’un certain conservatisme. Difficile d’affirmer sa liberté dans un tel contexte.
Au-delà de la polémique autour de la figuration religieuse, les œuvres de Mary Cassatt célèbrent l’émancipation de la femme bourgeoise. Celle-ci s’instruit et sort du confinement de la maison. Elle est la figure inversée d‘une autre femme-peintre du XVIIIe siècle, Élisabeth Louise Vigée Le Brun, l’une des grandes portraitistes de son temps. Issue de la petite bourgeoisie, elle va trouver sa place au milieu des grands du royaume, et notamment auprès du roi et de sa famille. Elle devient ainsi le peintre officiel de la reine Marie-Antoinette, se mettant ainsi au service des valeurs aristocratiques.
(Autoportrait de Madame Le Brun tenant sa fille Julie sur ses genoux, dit ‘la Tendresse maternelle’ © RMN-Grand Palais)
Mais à la différence de la peintre de cour attachée aux valeurs de l’aristocratie, Mary Cassatt souligne sa totale autonomie à l’égard de la condition des artistes du siècle précédent en ne dépendant d’aucun mécène.
Eloge de l’éducation comme libération
Surtout, aux thématiques de la tendresse ou du libertinage chères à Vigée Le Brun, Cassatt oppose celles de l’intimité et de l’amour, contribuant ainsi à fixer la permanence des valeurs de la bourgeoisie triomphante en ce XIXe siècle. En effet, en 1893, on lui avait passé commande d’une grande peinture murale pour orner le pavillon de la femme lors de l’exposition universelle de Chicago. Cela donnera : « Femmes cueillant les fruits de l’arbre de la connaissance » :
A la femme futile et séductrice, elle oppose l’attachement familial, le devoir paternel et maternel. A la tendresse, elle oppose également la figure de l’amour. Là encore la rupture se fait sentir avec Vigée Lebrun, dont les personnages féminins, entre séduction et libertinage, sont proches par exemple des représentations d’un Greuze. Il y a chez Vigée Le Brun un jeu pictural avec les conventions admises, une sorte de clin d’œil au jeu des courtisans dans une société de Cour et d’ordre. L’artiste fait tomber le masque comme dans ce tableau :
(Louise Élisabeth Vigée Le Brun, Portrait du Comte Grigory Chernyshev , un masque à la main).
Pour Mary Cassatt, au contraire, l’art se donne à voir à un regard éduqué. Pour saisir le style d’un artiste, il faut connaître l’histoire qui le précède. A la différence de Vigée Le Brun, sa peinture gagne en modernité, c’est-dire-en interrogation sur ses propres règles, et n’a rien d’édifiant.
L’inachevé : la trace de la liberté dans l’art
Le temps de l’intime saisi dans l’éphémère est une question que l’œuvre ouvre et travaille. Certains tableaux ne sont pas achevés et font place à la perception du spectateur, chargé ainsi d’achever la toile. Cette marque de l’inachèvement par un style qui ressemble à un abandon de la toile, y introduit un espace qui ne clôt pas la règle mais au contraire lui permet de se mouvoir dans un constant retour sur elle-même, et ainsi de se modifier.
L’artiste interroge les conventions de la figuration, comme elle questionne les codes masculins de la bourgeoisie. De la même façon que la mère et l’enfant sont dans un rapport d’intimité, elle va déployer ce rapport au monde du quotidien, bousculant ainsi les genres traditionnellement distribué aux œuvres : peintures d’histoire, art sacré, natures mortes. Cassatt peint des personnages solitaires où le décor tient une place prépondérante, destituant le personnage du tableau de sa place centrale, même s’il semble encore l’habiter. Ainsi le tableau représentant l’enfant dans un grand fauteuil bleu n’a pas plus d’importance picturale que ce dernier.
L’enfant occupe la même place que le chien ou que le vide à l’arrière-plan. Le thème de la peinture est au-delà du sujet peint. C’est là que réside toute la modernité de Mary Cassatt : elle libère l’œuvre d’un rapport au modèle et d’un sens déterminé. Elle n’est pas là pour révéler un quelconque message. Elle laisse son autonomie à l’œuvre et au spectateur. A lui de trouver la signification de l’œuvre. Le peintre n’est que celui qui agence les couleurs et les formes. Il s’affranchit de la narration pour laisser penser le spectateur à la question du sens. A ce titre, parler du « féminisme » de Mary Cassatt n’a guère de sens. Sa modernité consiste à abstraire la peinture de toute narrativité. En cela, elle porte en germe ce que l’on appellera « l’abstraction ».
EXPOSITION Mary Cassatt : Une impressionniste américaine à Paris
Du 9 mars au 23 juillet 2018
Musée Jacquemart André 158 boulevard Haussmann 75008 Paris
Tél. : 01 45 62 11 59 • message@musee-jacquemart-andre.com
